总论：如何欣赏艺术摄影？
How to Appreciate Art Photography
面对看似普通或难以理解的艺术照片，观看应当从哪里开始？本节以现象学的直观与悬置为切入点，结合杰夫·沃尔、辛迪·舍曼等人的作品，区分画面中可见的东西、观看者带入的判断，以及作品所处的话语和展示语境。
课程由此建立进入艺术摄影的基本方法：既留意画面自身，也考察拍摄、制作与呈现的具体条件，理解作品为何以这样的形式出现。
从世界到照片，丢失了什么？
From the World to the Photograph: What Is Lost?
面对一个场景时的丰富体验，为什么常常无法通过照片传达？本节从海德格尔对世界与关系的理解出发，讨论取景如何切断对象与周遭的联系，以及时间、空间和行动经验在照片中发生的变化。
结合萨考斯基的取景框、巴拉德的切割与玛莎·罗斯勒的实践，课程考察摄影如何通过选择与排除形成意义，以及图像和文字怎样共同回应照片的局限。
如何拍摄日常：从斯蒂芬·肖尔出发
Learning to Photograph Everyday Life with Stephen Shore
斯蒂芬·肖尔的照片为何常常看似平淡，却能让熟悉的日常重新变得可见？本节结合与肖尔的交流，从结构与构图的区别进入其工作方式，讨论注意力、观看的意向与照片的心理层面。
课程关心拍摄过程中怎样组织经验：如何留意场景中的关系，怎样让形式服务于感知，以及学习一位摄影师的观看方式与模仿其画面之间有何区别。
为什么有些照片能卖那么贵？
The Art Market and the Price of Photography
同一张照片的图像可以大量传播，为什么某一件印相仍然拥有特殊的市场价格？本节从作品估值与定价权入手，考察版数、来源、展览记录、证书和交易制度怎样参与价值形成。
课程区分不同的估价用途，并讨论市场购买的作品身份与可见的图像内容之间的关系，由此理解价格、艺术判断和社会认可为何不能简单相互替代。
摄影中的尺幅问题：巨幅场面形式
Scale and the Tableau Form in Contemporary Photography
手机中的照片、小幅印相与展厅里的巨幅照片，会要求怎样不同的观看？本节梳理摄影走向墙面和大尺幅展示的变化，讨论照片从图像的载体成为具有物质存在的对象时，身体、距离与注意力如何随之改变。
通过托马斯·迪曼德等人的作品，课程解释巨幅场面形式的观看条件，并考察放大所带来的细节、场景感与展示效果。
AI 影像如何改变摄影？
How AI Images Change Photography
AI 生成影像与摄影照片的相似，为什么能够唤起相近的情感，又为什么不足以让二者具有相同的真实性？本节讨论摄影的因果联系、观看所依赖的背景知识，以及图像如何在共同现实中产生效力。
结合后人类理论和阿纳多尔的生成艺术，课程进一步考察非人观看、创作中的多方协作与目的性，理解生成图像改变了什么，又延续了哪些既有的影像机制。
老法师、糖水片应该被批判吗？
Aesthetic Judgment and the Everyday Practice of Photography
对糖水片的批评包含了怎样的审美标准与社会区分？本节把拍摄放回日常交往之中，讨论照片在表达趣味之外，如何参与共同活动、相互认可与生活经验。
课程结合媚俗、语义贫乏与摄影去技艺化的问题，考察那些看似简单、重复或缺乏专业性的实践，为什么仍值得认真理解，以及它们怎样进入艺术的工作方式。
拍照和照片如何改变记忆？
How Photography Changes Memory
照片如何参与记忆，又会在什么时候替代记忆？本节结合巴特、巴钦、克拉考尔等人的论述，区分照片保存的可见形象与回忆中不断变化的感觉和关系。
通过纪念肖像、着色照片及其使用方式，课程讨论记忆的重建性质，并分别考察个人缅怀和集体历史中，照片能够保留什么，又可能遮蔽什么。
